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Cielo turbio de miércoles. Hace un frío tan cobarde que nadie diría que es frío. Apenas da ganas de abandonar esta galaxia. Salvo porque lo he estado esperando. Trembling Blue Stars lanza su anhelado séptimo disco de estudio, “Fast trains and telegraph wires”, diez meses de preparación para ascender al cielo azul tembloroso donde el frío es frío en serio y donde el calor se oculta en el último cuarto. “The hidden quarter” fue dedicado por la banda a la memoria de Derek Jarman.

The Hidden Quarter.
Trembling Blue Stars.
Londres, Inglaterra.
Álbum: Fast trains and telegraph wires, 2010.
Foto: MySpace / Videos: McConbuengusto

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Una interesante historia se creó alrededor de ciertas frases que demostraban, supuestamente, la brutalidad de las autoridades de Philadelphia frente a las minorías negras. “We don’t need no water, let the motherfucker burn” es un recurso muy utilizado hoy en el slang americano, sobre todo a partir de un hit lanzado en 1996 por una banda de universitarios que llegó a sonar en todo el mundo gracias, entre otros motivos, al apocalíptico verso “burn, motherfucker, burn”. Nos referimos por supuesto a Bloodhound Gang y al tema “Fire water burn”, que por si no lo recuerdas, sonaba así:

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Versión 1996 de “Fire water burn”. La siguen tocando hasta hoy

Las líneas más conocidas de la canción, como muchos de ustedes saben, fueron tomadas de un semiéxito de los ochentas, un old school rap que alcanzó fama en 1985 y que fuera interpretado por los afroamericanos Rock Master Scott & The Dynamic Three, el mismo que terminó convirtiéndose en uno de los temas más sampleados de la historia (como veremos más adelante). “The roof is on fire”, el single, y su lado B “Request line”, llegaron al número 5 de la lista Billboard y significó toda la carrera de este trío formado en el Bronx. Si no lo has escuchado aún, hazlo aquí:

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Versión original de “The roof is on fire”, con autocensura

Lo insólito de este tema es que está ligado, por cultura popular (muchas webs lo señalan), con un hecho real. En 1985, la policía de Philadelphia intervino un edificio en el barrio de Cobbs Creek, habitado por activistas negros de MOVE, un movimiento cuyo principal interés era promover el retorno a la vida natural y a rechazar la medicina, la ciencia y la tecnología. Todos ellos llevaban como segundo nombre África. Sin embargo, eran también conocidos por hacer demostraciones de desacato a la autoridad utilizando basura y creando desorden público. La intervención policial fue realizada el 3 de mayo de 1985, a pedido del vecindario, y aunque los MOVE no portaban armas, se inició con un lanzamiento masivo de bombas lacrimógenas (llegaron a lanzarse 10,000) y culminó cuando un helicóptero disparó cuatro bombas con el explosivo plástico C-4 mezclado con Tovex a los techos del edificio.

“The roof is on fire”, frase atribuida al jefe de bomberos

El bombardeo afectó a más de 65 viviendas y mató a 11 personas, entre ellas al líder John África y a cinco niños. El jefe de bomberos de Philadelphia, William Richmond, fue acusado posteriormente por los miembros de MOVE de no actuar para apagar el incendio y este no negó la falta de acción: “Ellos (mis hombres) son bomberos, no soldados de infantería”, dijo. El jefe policial Gregore Sambor aceptaría tiempo después que él dio la orden de esperar, para que el fuego terminase de una vez con el bunker. Al respecto, existe un magnífico artículo de Time, escrito a poco de ocurrido el hecho.

Funeral del activista John África (Foto Rebecca Barger)

Es a Sambor, en algunos casos, y a Richmond en otros a quienes se suele atribuir la autoría de las frases “we don’t need no water, let the motherfucker burn” (no necesitamos agua, dejen al hijo de puta quemarse), en referencia a John África. Pero la historia tiene un punto débil, un error definitivo. En realidad ninguno de los personajes pronunció esas palabras. La actuación brutal de la policía no está en duda, pues murieron más de diez en la intervención de mayo de 1985, sin embargo es imposible atribuir esas famosas líneas a las autoridades, por lo menos en ese caso, por una sencilla razón: Rock Master Scott & The Dynamic Three crearon “The roof is on fire” seis meses antes del incidente. La prueba está en que el single fue publicado por primera vez en noviembre de 1984.

Los raperos antes de su momento de gloria (fines de 1984)

Charlie Prince Pettiford, de saco blanco en la foto, fue el autor e interprete de la letra. En una reciente entrevista con la publicación Dayly News, de Philadelphia, Pettiford declaró que nunca supo nada acerca del incidente de MOVE y que incluso hoy sabe muy poco al respecto. Ramona África, una de las sobrevivientes de la masacre, afirma que “definitivamente me hace recordar lo que ocurrió el 13 de mayo. Nunca he dicho que (la canción) fuera escrita a raíz del incidente, pero los conectas de inmediato”. Sin embargo, es dura con Charlie Prince al enterarse que este no sabe nada de MOVE: “¿en qué planeta vive?”.

Una entrevista publicada en el blog The Foundation da algunas luces sobre el origen de las famosas líneas ”the roof is on fire / we don’t need no water / let the motherfucker burn”. A la pregunta: “¿ustedes inventaron esto?”, Slick Rick (tercero en la foto) responde: “No lo inventamos, de hecho fue algo que escuchamos en un barrio mientras estábamos en Virginia. Estábamos en el estudio y Jerry (Blood Rock) dijo ‘hagamos esa cosa que escuchamos en Virginia. No queríamos hacerlo por las palabrotas, nuestras madres se iban a enojar”.

UNA DE LAS MÁS SAMPLEADAS

Single lanzado por Reality Records en 1984 

La historia de “The roof is on fire” no termina con esta casualidad histórica. Con los años, las letras del tema y otras partes del mismo han sido utilizados por una enorme cantidad de artistas y muchos de ellos los han empleado como emblema de resistencia ante la autoridad. Basta con escuchar los primeros compases del single original para reconocer el “hey girls, hey boys / superstar DJs / here we go” de Chemical Brothers.

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“Hey girls, hey boys”, lanzada en 1999

Los versos “we don’t need no water let the motherfucker burn”, además de Bloodhound Gang (ver arriba) fueron empleados por Rancid, Prince, 50 cent, Atari Teenage Riot, Polaroid Baby, Lloyd Banks, Coal Chambers, Eminem, Kumbia Kings, entre muchos otros. Aquí puedes escuchar algunos ejemplos:

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“Burn”, por Rancid (1994)
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“In da club”, por 50 cent (2003)
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“Polaroid baby”, por Bratmobile (1992)

Para terminar, podría mencionarse que Rock Master Scott ha anunciado su intención de volver a grabar, que Ramona África pasó siete años en prisión acusada por revueltas callejeras luego de la masacre a los activistas de MOVE pero hoy está libre, que Bloodhoud Gang ha vuelto a salir de gira con su omnipresente éxito “Fire water burn” y que, por mucho que en este caso las cosas parecen obra de la casualidad, la brutalidad policial unida al racismo son lacras que continúan existiendo. En todo el mundo.

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Un mes atrás, publicamos en Odio la Música una nota sobre “Ley marcial”, sencillo de Los Niños Estelares que nos había impactado por su gran intensidad y notable sentido del humor. A las pocas horas, había aparecido un enlace en la cuenta de Facebook del dúo hacia este blog, así que pedimos una entrevista a ver qué pasaba. Respondió Fernando Castro-Álvarez (FCA), cantante y compositor del grupo formado también por Darío Constaín Reyes, quien accedió muy cordialmente a respondernos. Los contactos para encontrar fecha pasaron por una visita al Perú del músico portorriqueño, con estadía en La Punta y Cusco, hasta que finalmente conversamos con él a través de Skype cuando estaba ya de retorno en Puerto Rico.

Más que una entrevista, se trató de una charla informal mitad escrita-mitad hablada (mi micrófono falló) en la que quedó claro el punto de vista de Fernando, su resistencia a acostumbrarse al amasijo de convenciones al que llamamos sociedad, sus raíces peruanas y el porqué su música nunca será material para las radios. Lo que, por cierto, es lo más lejano a las pretensiones de Los Niños Estelares. Dejaremos que la entrevista que publicamos hoy fluya como la conversación que fue.

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“Auto-entrevista”, aparecida en NME

OLM: ¿Fue la primera vez que estuviste en el Perú?

FCA: Sí, sí, efectivamente.

OLM: Pero tú tenías alguna relación con el Perú, por tu padre.

FCA: Mi papá es chalaco, el nació en Perú en 1954, se mudó a Nueva York cuando tenía ocho años. Entonces cuando tenía 15 se vino a Puerto Rico, vive aquí desde hace 40 años. Mi familia es punteña y chalaca, los hermanos de mi abuelo paterno y los primos de mi papá viven en La Punta.

OLM: ¿Él también es músico?

FCA: No, pero en mi familia tango escultores, actores, cineastas, luminotécnicos, escritores… Mi mamá tiene poetas en su familia, pero el papá de Darío (Constaín Reyes, la mitad del grupo) sí es músico. Él tenía una banda cuando era teenager, en Ecuador, se llamaban los VIPs.

OLM: ¿Cómo aparece en ti la onda musical?

FCA: Mira… es como un vehículo, musicalmente tengo un gusto por la música desde temprana edad, toco el piano desde que tenía 15 años y me gusta escuchar de todo; para expresarlo de algún modo, todo empezó como a los 16 años cuando me enamoré por primera vez.

OLM: Pero supongo que en esa época la música que hacías era muy distinta a la actual.

De hecho no, la primera canción que escribí se llama “Yo quiero volver” y está en el primer disco (de LNE). Tenía letras pero se las quité, se la escribí a una nena. Más o menos es lo mismo, cuando uno es músico el estilo se retiene, siempre, y puede que uno pase por una experiencia trascendental o que se mezcla con otro músico con lo que estilo puede sonar diferente, pero en esencia es lo mismo.

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“Yo quiero volver” tocada en Río Piedras, diciembre de 2008.

OLM: Me dices que tu música es un vehículo para algo importante.

FCA: Es importante para mí, pero no por el hecho de que algo sea importante para uno es necesariamente para otra persona. Como te digo, es un vehículo.

OLM: Te lo pregunto por la temática de tus letras. ¿Hay otras bandas en PR que muestren en sus letras una preocupación por problemas sociales?

FCA: Sí las hay, claro, no con el mismo tono ni estilo pero sí las hay. Por ejemplo está Intifada, que es una banda de hip hop, también otra en los 90 que se llamaba Fiel a la Vega. Hoy en día hay otras como Cultura Profética, que es más reggae-pop pero que al principio tuvo canciones que tenían presente el tema social. Y a través de la historia también ha habido otros grupos, en los 70 había un señor llamado Roy Brown que hacía este tipo de cosas, y Haciendo Punto en Otro Son, pero esas dos eran temas más portorriqueños, temática isleña. Quizas Intifada tenga más canciones que tengan que ver con Latinoamérica, pero de contexto global hay bien pocas. Las que mencioné son de contexto portorriqueño principalmente.

OLM: Las bandas que tocaban con ese estilo contestatario solían ser antes subterráneas.

FCA: Por lo general, pero ahora se está dando el fenómeno de las tecnologías, para que uno pueda grabar música desde su casa. Hay mucha gente que no reconoce que hoy en día estamos viviendo en una convergencia mediática y que ahora mismo los consumidores son productores de información, tenemos las herramientas necesarias para crear música, audiovisuales, prácticamente todo lo que antes podían hacer las industrias grandes con impresoras de discos, máquinas para editar música o cine, ahora tenemos una tecnología que abre un montón de puertas a la gente que hace música social, como la que hago. 

OLM: ¿Cómo producen su música ustedes?

Todos nuestros discos los grabamos con mi computadora, que vale US$1.000. La realidad es que somos un grupo que no cuenta con nada de dinero, el que tengo es el que gano en mi trabajo, el dinero que hacemos en los shows lo invertimos en los videos y en poner la música afuera (en la red), porque la idea de vender un CD es un obstáculo para darte a conocer y para vender tu disco tienes que decirle al consumidor que tiene que gastar cuando todo es gratis en Internet, o sea, tú puedes comprar un disco pero alguien lo va a pasar al formato mp3 y los va a poner en los file sharing systems o en los torrent, entonces en vez de tomarte la molestia de vender tu disco lo pones gratis en Internet y así te das a conocer y si el material es bueno por ahí va a salir exitoso.

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“Persistencia de la memoria”, notable video artesanal de LNE (2008)

OLMPara la industria es una tragedia, porque se acaba una etapa en la que se controlaba todo el proceso de producción, incluido el mensaje. Por el contrario, para el músico es una ventaja.

FCA: Sí claro, es una ventaja, no obstante ya no es como antes, por eso la prerrogativa real del músico. Si la prerrogativa es darse a conocer y que su música suene a través del mundo es súper eficiente, pero si es hacer dinero, hacerse famoso, tener mujeres, whatever, te vas a dar cuenta de que no es tan beneficioso el Internet ni las tecnologías digitales.

OLM: ¿Cuál es tu prerrogativa?

FCA: Jajaja, tener un trabajo y una mujer que me quiera, soy bien sencillo.

OLM: Con respecto a la música.

FCA: Mira, lo hago para no volverme loco, porque es como una manera de desahogare y tratar de liberar todas estas cosas que está dentro de mí. Por ejemplo, cuando escribo la letra trato de desahogarme y tratar de ver si hay gente allá afuera que piensa igual que yo. Porque, tú sabes, yo constantemente –ya no tanto como antes- me sentía rodeado de lunáticos; como digo en mi canción “La dictadura científica acaba de empezar”, es un mundo de gente enferma de la mente, hechizada, unas naciones de zombis que se preocupan de cosas que no son importantes y descartan las que realmente son trascendentales y vitales para la naturaleza humana. Entonces mi prerrogativa musical es seguir haciendo esto y seguir creando material que sea decente según mis estándares y haciendo performance, porque tú sabes que eso es lo que me gusta, estar delante del público.

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“La dictadura científica acaba de empezar”, tema del primer álbum de LNE

OLM: Eso es cierto, aunque cuando he escuchado por primera vez sus canciones, con los lados divertidos y furiosos, no capté que estaban hablando de las cosas que son importantes para ustedes. Por ejemplo, “Canción de amigos” puede ser tomada como una sátira.

FCA: Ese es el problema, mucha gente se ha puesto tan cínica que cuando ve algo que es honesto lo malinterpreta porque viven en una sociedad enferma. La gente detesta lo hermoso y rechaza lo honesto, por lo general. Realmente, con esa canción queríamos hacer algo como Pimpinella, porque a mí aunque no lo creas me encanta (ese grupo), la idea era hacer una letra así sobre nosotros dos, pero con la amistad.

OLM: ¡Pero por dónde Pimpinella!, si en su música se escucha punk, ska…

FCA: ¡Tengo tantas influencias que cuando me preguntan cuáles son no me gusta contestar, jaja! Escucho de todo, no discrimino en absoluto, el único tipo de música que no me gusta es el country music de Estados Unidos, pero escucho de todo, lo que me llegue. Porque le hago caso a las letras más que a la música, para mí la letra es lo principal.

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“Canción de amigos”, grabada en las casas de Fernando y Darío

OLM: ¿Alguna vez han tenido problemas con lo que dicen sus letras? Alguien que los encare en los conciertos, algún político ofendido…

FCA: No, nada, el status quo no le va a hacer caso a esos mensajes porque trascienden el mismo sistema. No soy izquierdista, ni derechista, no estoy abogando por la liberación de alguien, ni por la liberación de alguien. Lo que estoy escribiendo en mi canción es que estamos viviendo en una cárcel y no me importa si es de derecha o de izquierda. Es la misma mierda. Lo más importantes es que si quieres ser libre tienes que liberarte tú mismo, enfrentar tus miedos, usar esta vida para trabajar, crecer y estar en paz contigo mismo. Con tu familia, con tu sociedad, con todo, porque en esencia no tengo un mensaje político sino un mensaje espiritual, de realizarse uno mismo y de trascender toda esta mierda que es esta sociedad moderna que ha creado una dictadura científica. Claro, esa es mi opinión y puedo estar mal.

OLM: Leí que estudias en la Universidad Nacional de Puerto Rico.

FCA: Sí, no obstante, Puerto Rico es un sitio extraño, somos y no somos un país. La UPR es la universidad nacional, no obstante la fundaron los americanos y en esencia era un instrumento colonial para formar maestros y enseñarle inglés a la población portorriqueña, de ahí fue que nació la institución. Es decir, aunque sea nacional la universidad es un organismo colonial.

OLM: ¿Qué estudias allí?

FCA: Hice estudios individualizados en medios, eso es Sociología, Comunicación y Humanidades y me gradué en diciembre del 2009. Voy a empezar Derecho en agosto del 2010, dios mediante.

OLM: ¿Y tu manera de pensar se formó en la familia o en las aulas?

FCA: Yo nací con eso, no es familia ni universidad, esa es mi única explicación. Desde que era chiquito, desde que era un bebé me dice mi papá me movía en sus brazos y nunca me dejaba coger, uno tiene que nacer con eso y esa es la única manera de realmente querer y poder hacer algo, te da potestad y fuerza real. Esa chispa a uno le tiene que nacer. La escuela realmente nunca me ha enseñado nada, lo que aprendí lo saqué de Internet, yendo a bibliotecas solo, hablando con gente mayor y observando.

Fernando en Machu Picchu, con polo de Inka Kola

OLM: ¿Y qué te pareció el Perú?

FCA: Me asombró mucho, un país muy rico, riquísimo, una riqueza en alimentos, en cultura, una cosa increíble.

OLM: Y sabes que apenas empezamos a apreciar lo que tenemos.

FCA: Eso me han dicho. Voy a ser honesto contigo, a mí me gustó mucho más Cusco y el Valle Sagrado y las poblaciones campesinas que la misma ciudad, todas las ciudades son iguales.

OLM: Sí, también me gusta más estar en las provincias. Finalmente, mis abuelos no nacieron en Lima.

FCA: ¿De dónde son ellos, portorriqueños? Jajaja.

OLM: No, son de la sierra.

FCA: Déjame decirte, y es algo de lo que también me di cuenta, hay una cierta segregación entre la gente que es de la ciudad y la gente que no lo es; como que hay una separación bien marcada. Lo que me da más pena es que la cultura más antigua es la serrana, una cultura milenaria con unos conocimientos increíbles.

OLM: ¿Tuviste ocasión de escuchar algo de música local?

FCA: Claro, el huayno, me gustó mucho el huayno, aprendí unas cuantas palabras quechuas cuando estuve en el Cusco. También el Grupo Cincooooooooo!

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“Te vas”, con el Grupo 5 de Mosefú

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“Aquel 15 de junio de 1982 El Salvador pasó a ser más conocido por su selección de fútbol que por la guerra que atravesaba el país”, dice la narración en off del trailer de “UNO”. En efecto, hasta unos días antes de que el equipo que ha recibido la mayor goleada en la historia de los mundiales saltara a la cancha para su estreno en el mundial de España, muy pocos conocían de la guerra interna que atravesaba al país centroamericano desde 1980. De hecho, hasta ahora muy pocos saben que esa guerra duró más de una década.

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“UNO”, obra de los documentalistas Gerardo Muyshondt (salvadoreño) y Carlos Moreno (colombiano) reconstruyó la historia de esa selección que, aunque para ese momento fue una vergüenza, es considerada la mejor camada de futbolistas salvadoreños de siempre. Lo demostrarían al dejar afuera a México en las eliminatorias de 1981 y al acallar las ametralladoras por un 120 minutos en su país justo antes del pitazo inicial de aquel encuentro inolvidable frente a Hungría.

El trailer es absolutamente conmovedor y en él aparecen algunos de los futbolistas que saltaron a la cancha ese 15 de junio. “Estar allí era un sueño convertido en realidad”, dice uno de ellos. Aunque poco después se convirtiera en pesadilla, ya que al retornar a El Salvador los futbolistas y el comando técnico fueron insultados y agredidos por algún tiempo. Incluso el auto del portero Ricardo Guevara Mora recibió 22 impactos de bala. Él, que con 19 años llegó a un Mundial con el cartel de ser el portero menos vencido de la fase premundialista.

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“UNO” ha sido presentado en los festivales de Miami, Guadalajara y Cartagena de Indias 2010.

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Nacieron los hermanos StodardGannon con ciertos superpoderes muy poco aplicables. La mayor tolerancia a la lactosa, la máxima capacidad de enojo sobre la tierra y la habilidad más increíble para dibujar círculos sin instrumentos de mano. Por supuesto, era difícil para ellos ser populares con tan extravagantes dones. Hasta que cierto día Romeo despertó advertido de una nueva capacidad: hacer que cualquier sonido que brotara de sus composiciones se pareciera a algo más. Fue así que, al ser escuchado, a todos provocaba decir: “¡Hey, esa ya me la sé!”, y se moviera la cabeza en señal de conformidad. Cuenta la historia que de esa manera aquella pareja de hermanos sobrealimentados logró notoriedad y clubes de fans por cada década de similitud. Llamaron a su banda The Magic Numbers y ahora van por su segundo álbum.

Hurts So Good.
The Magic Numbers.
Ealing, Inglaterra.
Álbum: The runamay, 2010.
Video: leanderalves41 / Foto: MySpace.

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Es cierto. Las mujeres enseñan cómo hacer versiones. Con estos siete deliciosos ejemplos abrimos una sección de covers que aparecerá mensualmente en este blog, hasta el final de los tiempos.

1. She & Him – Please please let me get what I want (The Smiths)

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The Smiths y Zooey Deschanel es demasiado morbo. Tenía que estar aquí. Desde el soundtrack de “500 days of summer”.

2. Carla Morrison – Esta soledad (“Creep”, de Radiohead)

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No tengo idea si Carla quiso hacer un cover de Radiohead, pero las notas están allí… y la canción es un sueño.

3. Anni B. Sweet – Take on me (A-Ha)

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Todo normalito hasta que llega la parte del falsete. Una delicia.

4. Veruca Salt – My Sharona (The Knack)

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Mi debilidad adolescente, las flaquitas power pop de Chicago y su gran cover de una canción que nunca me gustó.

5. Nina Simone – Suzanne (Leonard Cohen)

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Lo siento mucho por las niñas anteriores, era hora de pasar a palabras mayúsculas con Nina y Leonard.

6. Tori Amos – Smells like teen spirit (Nirvana)

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Todos los que hacen este cover quieren gritar más que Cobain. Menos ella, que hace gritar más al piano. Maestra.

7. The Sundays – Wild Horses (Rolling Stone)

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Sólo queda decir que tal vez esta canción, originalmente, necesitó esta voz. Con el perdón de Mr. Jagger.


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Y una noche todo se hizo pequeño en el DF. Salieron los hadas a tomar las calles, montadas sobre grillos. Las libélulas guiaron desde los cielos. Minúsculos sonidos de un corazón apenas formado emergieron de la tierra. Sobre él, un rumor que hizo a los más grandes guardar silencio. La Banderville, protagonista de esta explosión sin sonido, estrena sencillo que será incluido en el álbum “Libro por Darfur” de Amnistía Internacional. Vas a querer saber qué pasa en México.

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Buenísima “A la distancia”, La Banderville 2009.

Silencio Todos.
La Banderville.
Ciudad Satélite, México.
Álbum: Libro por Darfur, 2010.
Video: Gioyami.

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A estas alturas, ser fiel al synth pop de la primera mitad de los 80′s no es una virtud. Mucho menos utilizar una pista tan fácilmente reconocible (“Good bye horses”, de Q Lazarus)… pero en un ambiente como este, con el frío quebrándote los nudillos, ¿no suena como la partitura ideal?

Desde Helsinki, Juho y Tomi rescatan esa esencia que, de tanto ser alterada, ha terminado corrompiéndose. Aquella primera esencia que permanece detenida en algunos lugares lejanos, pura, líquida, lista para la sed de quienes caminamos sin mirar el tiempo.

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La fantástica vocalista Q Lazarus y “Wild horses”, de 1988

Envelope.
Villa Nah.
Helsinki, Finlandia.
Álbum: Origins, 2010.
Video: 10243BLN / Foto: MySpace.

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Lo que Los Prisioneros y Molotov olvidaron ser hace siglos: ladillas en el culo del status quo. Hombres-bomba del nuevo orden mundial. Cubiertos de un humor ácido como las entrañas de Alien y un sentido del verso urbano sólo comparable con Calle 13, los portorriqueños Fernando Castro-Alvarez -de padre peruano- y Darío Constaín Reyes -de padre ecuatoriano- saltaron a la efímera fama de MySpace con un primer disco que le puso sal a las calientes tardes de San Juan, “La Dictadura Científica Acaba de Empezar”.

Pero aquel primer trabajo de los boricuas no pasó desapercibido, entre muchas causas por sus letras, que bajo toneladas de humor ocultaban las miserias de la globalización; el descaro kitsch de sus videos, todos ellos de bajísimo presupuesto; y la contagiosa contundencia de las melodías, que pasan por el punk, el rap, el ska, la recitación dramática o cualquier cosa que caiga en la canasta.

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Insólita “Estoy en bici en Guaynabo City”, entre Vico C y “Mediate”, de Inxs.

Menos de un año después, en el 2009, Los Niños Estelares volvieron con un segundo disco imprescindible, de nombre “Namasté”. Tomando de la realidad sus mejores galas: represión, escapismo, cultura pop, comics y facebook, brotan ganchos al hígado como “Ley marcial” (a propósito de la huelga de estudiantes en la Universidad de Puerto Rico ante los anuncios de privatización); “Canción de amigos”, dedicada a sí mismos; y “El Dios en mi ve y honra al Dios en ti”, irónico repaso de ‘sabiduría yoga’ posterior a “Lost”. Historias de un país que reconoces en el tuyo. La farsa de la televisión a la altura de la farsa del turismo y de la aldea global.

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“Canción de amigos”, puro dulce de leche.

El Facebook de Fernando habla de un reciente viaje al Perú y de su estupor al comprobar que aquello llamado Cusco es hoy un remedo de Orlando. Orcas juguetonas reemplazadas por bloques de piedra. Irreal y estúpido, como la película que una y otra vez nos vuelven a pasar. ¿Habrá misticismo peruano del Siglo XXI en el siguiente disco de LNE, llamado para tu deleite “Tragedias y esperanzas en tiempos de Internet”?

Ley Marcial.
Los Niños Estelares.
San Juan, Puerto Rico.
Álbum: Namasté, 2009-2010.
Foto: MySpace / Video: Losniñosestelares.

Puedes bajarte la discografía de LNE gratis en su página web.

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Es lunes, hace frío, Lima parece una Atlántida. No provoca hacer nada, ni leer, ni escribir, ni hacer música. Sólo cerrar los ojos y pensar en que la vida sería mejor si las cosas fueran así, siempre.Jack Tatum, única cabeza detrás de Wild Nothing, entiende, un lunes como este, que es mejor no componer. Sólo dejar que su colección de The Cure, Shop Assistants y Radio Dept. hablen por él. Al final, todo ya se dijo, y mejor, cuando hizo frío por dentro.

Chinatown.
Wild Nothing.
Virginia, Estados Unidos.
Álbum: Gemini, 2010.
Video: stereolullaby.

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Hasta que te topas con la canción con la que naciste, la que sonaba a tus 15, la que escuchaste ayer y la que estará disponible en 110 años. Midnight Juggernauts lanza su segundo álbum, “The crystal axis”, ruido suspendido en un espacio sin tiempo.

Vital Signs.
Midnight Juggernauts.
Melbourne, Australia.
Álbum: The crystal axis, 2010.
Video: Midnightjuggernauts, en Youtube.

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